La Porta Bronson. L’hai visto. È l’ingresso iconico degli studi della Paramount Pictures a Hollywood. Sembra permanente. Solido. Ma l’azienda dietro di esso ha girato le mani più volte di quanto la maggior parte delle persone capovolga i telefoni. Oggi è di proprietà di Skydance, dopo un periodo sotto Paramount Global, e prima ancora di Viacom nel 1994.
È una storia disordinata di fusioni e acquisizioni. Ma le radici sono semplicissime.
La commedia di distribuzione del 1914
La Paramount non è nata come una fabbrica di produzione cinematografica. È iniziato come un gasdotto.
W.W. Hodkinson fondò la Paramount Pictures Corp. nel 1914. L’obiettivo era la distribuzione. Ha fornito uno sbocco alla Famous Players Film Company di Adolph Zukor e alla Feature Play Company di Jesse L. Lasky. Ha lasciato che anche altri produttori scaricassero lì le loro bobine.
Nel 1916 le cose si fecero serie.
Zukor e Lasky uniscono le loro entità. Formarono la Famous Players-Lasky Corporation. Poi hanno acquisito la Paramount. Hanno mantenuto il nome della Paramount. Aveva senso. Il marchio stava prendendo piede.
Lo studio è cresciuto rapidamente. Perché? Stelle.
Maria Pickford.
Arbuckle grasso.
Gloria Swanson.
Chiara Arco.
Rodolfo Valentino.
Questi non erano solo attori. Sono state le prime celebrità globali. La Paramount li ha confezionati. Il mercato li ha comprati.
I primi successi consolidarono la reputazione. Il carro coperto (1923). È stato pubblicizzato come il primo “grande western”. Scala enorme. Set enormi.
Poi venne I Dieci Comandamenti (1923). Cecil B. DeMille lo ha diretto. Un’epopea biblica. Ha dimostrato che la Paramount poteva gestire lo spettacolo. Non solo romanticismo. Non solo commedie. Narrazione monumentale.
Questa era la base. Prima dei parchi tematici. Prima delle guerre dello streaming. Solo un accordo di distribuzione secondo il quale possedere le stelle era meglio che semplicemente affittarle.
Il cancello è ancora in piedi. Gli affari? Si è evoluto. Ma le prime mosse hanno definito la traiettoria.
L’elenco si legge come chi è chi dell’età d’oro di Hollywood. Verso la fine degli anni ’20, la Paramount Pictures aveva messo insieme una formazione costellata di stelle che includeva Claudette Colbert, Carole Lombard e Marlene Dietrich. Mae West e Gary Cooper hanno portato sullo schermo il loro carisma unico. Maurice Chevalier, W.C. Fields e Bing Crosby hanno aggiunto un tocco musicale e comico. Registi come Ernst Lubitsch, Josef von Sternberg e Rouben Mamoulian hanno ampliato i confini artistici.
Eppure il talento da solo non potrebbe salvarli da un fallimento strutturale. Il passaggio ai film sonori ha creato una massiccia crisi finanziaria. La catena di sale dello studio ha faticato ad adattarsi. I costi sono lievitati. Le entrate sono in stallo.
Nel 1933 la Paramount fu dichiarata fallita.
Era in netto contrasto con il successo dei successi precedenti. Il poster dei Dieci Comandamenti del film epico muto di Cecil B. DeMille del 1923 rimane un simbolo del precedente dominio dello studio. Ma quel dominio era costruito su basi fragili. I teatri erano legati alla produzione. Quando un settore fallì, l’intero sistema cedette.
Come si sono ripresi? Non con la magia. Con ristrutturazione. La bancarotta non è stata la fine. È stato un ripristino. Lo studio è emerso più snello. Diverso. Ma ancora in piedi.
Questo periodo segna un cambiamento critico nelle dinamiche dell’era dello studio. Non si trattava solo di fare buoni film. Si trattava di sopravvivere al modello di business. I teatri e la produzione non erano più una rete di sicurezza. Erano una responsabilità.
“Sebbene abbia continuato a produrre film di successo artistico e finanziario, ha subito perdite dalla sua catena di sale durante il passaggio al sonoro.”
La lezione? Il potere delle stelle non compensa il debito strutturale. Puoi avere lo spirito di Lubitsch e il fascino di Dietrich. Ma se la tua catena di cinema perde denaro, la bancarotta incombe.
Il crollo della Paramount nel 1933 costrinse a riconsiderare l’integrazione verticale. Non bastava possedere le stelle. Dovevi possedere l’oleodotto. E quel gasdotto era intasato.
La ripresa finanziaria dello studio arrivò dopo la sua riorganizzazione nel 1948 in Paramount Pictures, Inc., ma la vittoria fu di breve durata. Due anni dopo, la Corte Suprema sferrò un colpo di martello. La corte ha stabilito che sette grandi studi cinematografici, inclusa la Paramount, hanno violato lo Sherman Antitrust Act. Avevano costruito un impero controllando sia la produzione che la proiezione dei film. Il rimedio è stato brusco. Gli studi hanno dovuto vendere le loro catene di teatri.
Questa cessione forzata ha cambiato tutto. Paramount non poteva più garantire dove o quando venivano proiettati i suoi film. L’integrazione verticale è stata interrotta. Senza quel potere, la strategia di output dello studio è cambiata. Hanno smesso di sfornare volumi di contenuti. Si sono invece concentrati su un minor numero di film a budget più elevato. Fu una svolta rischiosa, ma definì la prossima era di Hollywood.
Il boom creativo nel contesto dei cambiamenti normativi
La perdita del controllo del teatro non ha ucciso la creatività. Gli anni Quaranta e Cinquanta divennero un’epoca d’oro per la Paramount Pictures, guidata da voci creative distinte. Lo studio si è dedicato alla satira, al dramma e allo spettacolo.
Preston Sturges ha realizzato commedie taglienti e satiriche. Il suo film del 1941 The Lady Eve, con Barbara Stanwyck e Henry Fonda, rimane un punto culminante per i dialoghi spiritosi e il cinismo. È un ottimo esempio di come Sturges abbia utilizzato l’umorismo per criticare le gerarchie sociali.
“Lo studio ha prodotto film storici come Double Indemnity e Sunset Boulevard, dimostrando che l’alta qualità poteva compensare il ridotto controllo della distribuzione.”
Billy Wilder divenne un altro pilastro di questa epoca. Il suo lavoro mescolava cinismo e drammaticità. Double Indemnity (1944) ridefinì il genere del film noir. Cinque anni dopo, Sunset Boulevard (1950) offriva uno sguardo brutale alle stelle sbiadite di Hollywood. Questi non erano solo film. Erano correzioni culturali.
Nel frattempo, la serie “Road to…” ha offerto un diverso tipo di successo. Bob Hope, Bing Crosby e Dorothy Lamour hanno recitato in Road to Zanzibar (1941) e Road to Rio (1947). Questi film fornivano una via di fuga. Erano piatti più leggeri rispetto all’oscurità di Wilder, ma attiravano folle enormi.
Espansione verso nuovi generi
All’inizio degli anni Cinquanta il portfolio dello studio si ampliò ulteriormente. Shane (1953) del regista George Stevens ha rivitalizzato il genere western con la sua complessità morale. Era in netto contrasto con gli eroi più semplici dei decenni precedenti.
Alfred Hitchcock portò in studio La finestra sul cortile (1954). Il film si basava sulla tensione e sul voyeurismo piuttosto che sull’azione. Ha dimostrato che la Paramount poteva gestire i thriller psicologici con la stessa facilità dei musical.
Cecil B. DeMille ha concluso il decennio con uno spettacolo enorme. Il suo remake del 1956 di I Dieci Comandamenti era una meraviglia tecnica. Richiedeva enormi risorse, adattandosi alla nuova strategia di produzioni meno numerose e più costose. Il film divenne uno dei film di maggior incasso del suo tempo.
Questo periodo ha dimostrato che la pressione normativa potrebbe affinare l’attenzione. Senza la rete di sicurezza dei cinema di proprietà, **Paramount
Il passaggio dallo studio al conglomerato
L’età dell’oro del singolo capo studio stava tramontando. Negli anni ’60, la Paramount non combatteva solo contro altri studi cinematografici; veniva inghiottito da macchine più grandi e burocratiche. L’azienda si è fusa con Joseph E. Levine, Inc., una mossa che ha segnato un cambiamento di strategia. Levine era noto per aver distribuito film come La Pantera Rosa e Casino Royale. È stato un gioco pragmatico per la quota di mercato, non artistico.
Poi arrivò la mania delle acquisizioni aziendali degli anni ’60. Gulf + Western Industries, un enorme conglomerato industriale, prese il controllo. A loro non importava della celluloide o della cellulite. Si preoccupavano dei bilanci. La Paramount divenne solo un’altra voce in un portafoglio che comprendeva pneumatici, miniere e assicurazioni.
Questo fu l’inizio della fine del tradizionale modello hollywoodiano. Gulf + Western ha utilizzato la Paramount come mucca da mungere per alimentare altre iniziative. Ma la strategia è cambiata nuovamente. La società madre capì che i media e la comunicazione sarebbero stati il futuro. Nel 1989 cambiarono nome. Gulf + Western Industries è diventata Paramount Communications Inc. Non si è trattato solo di un rebranding. Era un segnale che lo studio stava finalmente tornando alle sue radici.
La trasformazione da gigante industriale a entità focalizzata sui media ha rimodellato per decenni il modo in cui i film venivano finanziati e distribuiti.
La fusione con Levine era stata una soluzione temporanea. L’era del Golfo + Occidente ha rappresentato il cambiamento strutturale. E il rebranding del 1989? Questa è stata la conferma. Il conglomerato non era più una holding industriale diversificata. Era un lettore multimediale. E quella distinzione definirà i prossimi quarant’anni della realtà finanziaria di Hollywood.
Il passaggio dalle stelle alle storie
I primi anni Sessanta segnarono un cambiamento silenzioso ma sismico a Hollywood. Non è stata una rivoluzione rumorosa. Nessuno lo ha annunciato. Ma se guardavi attentamente il tendone, l’attenzione si spostava.
In Psycho (1960), Vera Miles, John Gavin e Anthony Perkins si trovavano in una cornice che avrebbe cambiato l’orrore per sempre. Hitchcock non aveva bisogno di un budget enorme. Aveva bisogno di tensione. Aveva bisogno di una donna che si facesse la doccia e di un uomo che sembrasse troppo normale. Perkins era la star, ma Norman Bates divenne l’icona. Al pubblico non interessava più il sistema dello studio. A loro importava della paura.
Poi venne Colazione da Tiffany (1961). George Peppard, Audrey Hepburn e Patricia Neal. Diretto da Blake Edwards. Hepburn non era solo carina. Era complessa. Holly Golightly era un disastro avvolta in Chanel. Il film ha venduto la fantasia, sì. Ma ha anche venduto la solitudine dietro il glamour.
Questi non erano solo film. Erano casi di studio nella psicologia del pubblico.
Perché il pubblico è cambiato
Prima di Psycho, gli studi cinematografici si affidavano allo star system. Sapevi chi c’era nel film. Hai comprato il biglietto. Dopo Psycho, la sceneggiatura contava di più. Il concetto contava di più.
- Rischio vs ricompensa: Hitchcock ha fatto una scommessa enorme. Ha usato un cast di serie B. Ha scattato in bianco e nero per risparmiare denaro. Ha recuperato dieci volte il budget.
- Il potere del tono: Colazione da Tiffany si ispira al romanticismo. Ma lo ha indebolito con tristezza. Quel mix ha funzionato. Non era pura evasione. Sembrava reale.
Gli studi hanno iniziato a prestare attenzione. Hanno smesso di chiedere “Chi è la stella?” e ho iniziato a chiedere “Qual è il gancio?”
Il business della paura e del romanticismo
Diamo un’occhiata ai numeri, grossomodo. Psycho costa circa $ 800.000. Ha incassato oltre 32 milioni di dollari nella sua corsa iniziale. Questo è un rendimento 40x. Nessuno studio aveva visto quel tipo di efficienza. Ha dimostrato che le storie originali potevano superare gli spettacoli ad alto budget.
La colazione da Tiffany era diversa. È costato circa 1,8 milioni di dollari. Ha incassato circa 13 milioni di dollari. Non così esplosivo come Psycho. Ma aveva le gambe. Vendeva merce. Ha definito la moda. Aveva longevità.
Questi due film mostrano due percorsi per trarre profitto:
- Il film dell’evento: Elevato valore di shock. Ritorno rapido. Psycho è il modello qui.
- Il film sullo stile di vita: Impatto culturale. Vendite a coda lunga. La colazione da Tiffany è perfetta per questo.
Entrambe sono state mosse aziendali intelligenti. Ma richiedevano strategie diverse.
Cosa significa per gli investitori
Non puoi semplicemente copiare Psycho. Non puoi semplicemente copiare Colazione da Tiffany. Ma puoi imparare dalle loro strutture.
- Conosci il tuo pubblico: Psycho si rivolge a chi cerca il brivido. Tiffany ha preso di mira il sognatore aspirante. Sii chiaro con chi stai parlando.
- Controlla i costi: Psycho ha avuto successo perché era snello. Non produrre in eccesso. L’efficienza crea margine.
- Costruisci un marchio: Tiffany’s è diventato un marchio prima del film
Harrison Ford non si è imbattuto in Indiana Jones solo per caso. Ha ereditato un’eredità di giganti dello studio che sapevano come produrre cultura. Guarda le immagini di Il Padrino (1972). Salvatore Corsitto e Marlon Brando. La tensione non è solo nella sceneggiatura. È nell’illuminazione. Dipende dal peso della decisione. Francis Ford Coppola non ha diretto un film. Ha diretto un momento che ha definito il cinema americano.
Poi c’è I predatori dell’arca perduta (1981). Steven Spielberg. Harrison Ford. Lo schiocco di frusta è iconico, ma il motore dietro di esso era una strategia aziendale fredda e dura. La Paramount non si limitava a fare film. Stavano costruendo un impero.
Il passaggio al dominio televisivo
Alla fine degli anni ’60, il modello dello studio si stava fratturando. Il vecchio sistema Hollywoodiano stava morendo. La Paramount ha visto la scritta sul muro. Hanno girato. Difficile.
Nel 1967 fecero una mossa che avrebbe definito i successivi tre decenni. Hanno acquisito la Desilu Productions. Conosci il nome. Lucille Ball. * Amo Lucy * (1951–56). Non era solo uno spettacolo di successo. Era un progetto per la produzione di una sitcom. L’acquisto di Desilu ha dato alla Paramount credibilità immediata in salotto.
Non si sono fermati qui. Hanno iniziato a sfornare spettacoli che definivano il tempo in famiglia.
- Il gruppo Brady (1969–74). La fantasia suburbana idealizzata.
- Giorni felici (1974–84). Nostalgia confezionata come intrattenimento.
- Taxi (1978-1983). Personaggi grintosi, urbani e imperfetti.
- Saluti (1982–93). Il bar come santuario.
- Frasier (1993–2004). Lo spin-off intellettuale.
Non è stata una fortuna casuale. Si è trattato di un focus deliberato sulla TV. La Paramount Television divenne una potenza. Mentre gli altri studi esitavano, loro si appoggiarono.
Il roster dei film: posta in gioco alta, ricompense elevate
Ma i film? Quelli erano i gioielli della corona. Il periodo dal 1960 al 1981 ha visto un mix di thriller psicologici, romanticismo ed epici successi.
Consideriamo Psycho (1960). Hitchcock. Valore shock. Ha cambiato il modo in cui il pubblico vedeva la suspense. Poi Colazione da Tiffany (1961). Audrey Hepburn. Lo stile piuttosto che la sostanza? No. Stile come sostanza. Ha venduto uno stile di vita.
Nel 1970 arrivò Love Story. Un diverso tipo di successo. Triste. Semplice. Redditizio.
Poi sono arrivati i pezzi forti.
Apocalisse Ora (1979). Ancora Coppola. Una discesa nella follia. Non solo un film di guerra. Una critica al potere.
Star Trek: Il film (1979). E i suoi seguiti. Ha dimostrato che la fantascienza potrebbe essere un business per il grande schermo.
E i sequel di Il Padrino. Non si sono limitati a ripetere il primo. Hanno ampliato il mito.
Sequel di Indiana Jones. Hanno mantenuto viva l’avventura.
Questa era l’era dei successi. Ma non era solo una questione di soldi
L’immagine è iconica. Cattura l’essenza dell’America degli anni ’50 filtrata attraverso la lente degli anni ’70. In senso orario dall’angolo in basso a sinistra, vediamo Anson Williams nei panni di Potsie, Don Most nei panni di Ralph, Henry Winkler nei panni di Fonzie e Ron Howard nei panni di Richie. In superficie, è solo un’immagine promozionale per Happy Days. Al di sotto, tuttavia, si nasconde una complessa lezione sull’economia di Hollywood, sul branding e sulla distribuzione ineguale della ricchezza nel settore dell’intrattenimento.
Per decenni, questo cast è stato il simbolo della sana televisione americana. Ma osservare più da vicino le loro traiettorie finanziarie rivela perché alcuni attori costruiscono imperi duraturi mentre altri lottano per mantenere la propria posizione molto tempo dopo che le telecamere smettono di girare. Lo spettacolo stesso è stato un enorme fenomeno culturale, durato 258 episodi in nove stagioni. Ma la vera storia non è negli ascolti; è nei residui e nelle operazioni di backend.
Il Fonzie Premium: perché un ruolo ha cambiato tutto
Arthur “Fonzie” Fonzarelli di Henry Winkler non si è semplicemente unito al cast; è diventato l’ancora dello spettacolo. Sebbene la premessa di Happy Days fosse radicata nelle dinamiche familiari nostalgiche della famiglia Cunningham, gli ascolti sono aumentati vertiginosamente quando il personaggio di Winkler è diventato al centro della scena. Questo cambiamento non è stato solo creativo; era finanziario.
Winkler ha negoziato alcuni dei contratti più favorevoli del suo tempo. Non ha preso solo uno stipendio. Si è assicurato una partecipazione significativa nel backend. In un settore in cui gli attori vengono generalmente pagati con una tariffa settimanale, l’accordo di Winkler gli ha permesso di condividere i profitti della sindacazione. Questo è il principale elemento di differenziazione. I residui della sindacazione sono la linfa vitale della ricchezza a lungo termine per i membri del cast di sitcom di lunga durata.
“La syndication è il luogo in cui si guadagnano i soldi veri per gli attori delle sitcom.”
Sebbene le cifre esatte dei punti di backend di Winkler siano private, gli esperti del settore stimano che i suoi guadagni dalla sola sindacazione di Happy Days probabilmente abbiano superato i 100 milioni di dollari. Non è stata fortuna. È stata una negoziazione strategica al culmine della popolarità dello spettacolo. Ha sfruttato l’immensa popolarità del personaggio per assicurarsi una partecipazione nella risorsa stessa.
Il perno strategico di Ron Howard: da attore a produttore
Ron Howard, nel ruolo dell’uomo etero Richie Cunningham, ha preso una strada diversa. Anche se ha guadagnato un solido stipendio come attore principale, il suo vero trionfo finanziario è arrivato dal fatto di mettersi dietro la telecamera. Howard non faceva affidamento solo sul suo reddito da attore. Si è dedicato alla regia e alla produzione, sfruttando la sua fama per costruire una società di produzione.
La sua decisione di passare alla produzione gli ha permesso di controllare una parte maggiore del flusso di entrate. Mentre Happy Days gli ha procurato il capitale iniziale e il riconoscimento del suo nome, il suo successivo lavoro nel cinema e in televisione ha generato rendimenti notevolmente più elevati. Il viaggio di Howard illustra una lezione fondamentale per chiunque operi nei settori creativi: diversificare i flussi di reddito. Affidarsi esclusivamente ai ruoli recitativi è rischioso. Costruire equità nella produzione offre stabilità e scalabilità.
Il resto del cast: navigazione tra residui e longevità professionale
Anson Williams e Don Most, che interpretano rispettivamente Potsie e Ralph, forniscono un caso di studio contrastante. Facevano parte del cast principale e apparivano in quasi tutti gli episodi. Ciò significa che hanno diritto a residui sostanziali dalle trasmissioni in syndication.
Tuttavia, l’importo
L’ensemble dietro la sitcom di successo Cheers è spesso ricordato come uno dei gruppi più iconici della televisione. Quando guardi le foto promozionali del momento di punta dello spettacolo, potresti vedere una formazione familiare.
(da sinistra a destra): George Wendt, Shelley Long, Ted Danson, Rhea Perlman, Woody Harrelson e John Ratzenberger. Altri membri del cast durante il lungo periodo di Cheers non raffigurati qui: Nicholas Colasanto, Kirstie Alley, Kelsey Grammer e Bebe Neuwirth.) Paramount Television
Le Barfly del Nucleo
Ted Danson ha ancorato la serie nei panni di Sam Malone, un ex lanciatore di soccorso diventato proprietario di un bar. È rimasto con lo spettacolo per tutte le undici stagioni. George Wendt ha interpretato Norm Peterson, il fannullone abituale noto per il suo slogan: “Dov’è il caldo?” Woody Harrelson si è unito alla terza stagione nei panni di Woody Boyd, un ingenuo ragazzo di campagna del Kansas. John Ratzenberger era Cliff Clavin, l’impiegato delle poste e residente saputello.
Shelley Long ha interpretato il ruolo di Diane Chambers, un’avvocatessa pretenziosa che si è trasferita nella vita di Sam e nel bar. Se n’è andata nella quinta stagione e la sua assenza ha rimodellato la dinamica.
Assenze e aggiunte notevoli
La foto non cattura tutti coloro che hanno reso lo spettacolo quello che era. Nicholas Colasanto ha interpretato il ruolo dell’allenatore, il vecchio amico di Sam e il manager originale del bar. È morto durante la seconda stagione. Successivamente il personaggio di Ted Danson ha preso il controllo del bar.
Kirstie Alley ha sostituito Shelley Long nei panni di Rebecca Howe, l’ambizioso capo di Sam da New York. Rimase per cinque stagioni. Kelsey Grammer iniziò come il dottor Frasier Crane, fratello di Sam e psichiatra. Ha iniziato come ospite ricorrente, poi è diventato un membro principale del cast. La sua performance è stata così popolare che lo spettacolo lo ha trasformato in Frasier. Bebe Neuwirth si è unita come Lilith Sternin, ex moglie di Frasier e rivale accademica.
Perché è importante
Conoscere il cast completo aiuta a spiegare l’evoluzione dello spettacolo. Attori diversi hanno portato energie diverse. Il silenzio di Norman contrastava con le chiacchiere di Cliff. Il fascino di Sam si scontrava con l’intelletto di Diane. Successivamente, l’ambizione di Rebecca e la pretesa di Frasier hanno aggiunto nuovi livelli.
Il mix di personaggi abituali e personaggi a rotazione ha mantenuto la scrittura fresca. Permetteva anche archi di lunga durata. La relazione tra Sam e Diane ha definito le prime stagioni. La partenza di Frasier ha dato vita a una serie di sequel di successo.
Numeri reali e compromessi
Lo spettacolo è durato undici stagioni. È andato in onda sulla NBC dal 1982 al 1993. Ted Danson ha ricevuto sei nomination agli Emmy per il suo ruolo. Kelsey Grammer ha vinto quattro Emmy per Frasier, sia nello show originale che nello spin-off.
Shelley Long se ne andò dopo cinque stagioni. La sua uscita è stata un importante compromesso. Inizialmente le valutazioni sono diminuite. Lo spettacolo ha dovuto reinventarsi senza Diane. Si concentrava maggiormente sul personale del bar e sulla vita di Sam. Questo cambiamento si è rivelato vincente.
La morte di Nicholas Colasanto è stata una tragedia della vita reale. Lo spettacolo ha dovuto scriverlo rapidamente. Hanno spiegato la morte dell’allenatore fuori dallo schermo. Ciò ha costretto Sam a prendere la proprietà del bar. È stato un punto significativo della trama.
Dove guardarlo adesso
Se vuoi vedere l’intero cast in azione, servizi di streaming come Peacock
La fusione Viacom e il dominio al botteghino degli anni ’90
Il panorama di Hollywood è cambiato radicalmente nel 1994. Viacom Inc. non si è limitata ad acquistare una partecipazione in Paramount Communications; ha acquisito l’intero affare. Questa fusione pose le basi per un decennio di dominio commerciale senza precedenti.
I film usciti dalla Paramount in questo periodo non furono solo di successo. Erano fenomeni culturali.
Guarda la lavagna.
Ghost arrivò nel 1990. Divenne un enorme successo.
Poi arrivò Forrest Gump nel 1994.
Braveheart seguì nel 1995.
Ma il gioiello della corona era Titanic.
Pubblicato nel 1997, l’epopea di James Cameron non è stata un’impresa solista della Paramount. Era una coproduzione con la 20th Century Fox. Quella partnership si è rivelata essenziale. Il film ha infranto i record. Ha pareggiato il record di tutti i tempi per gli Academy Awards con 11 vittorie.
Ancora più importante, ha rotto la banca. Titanic è diventato il primo film della storia a superare la soglia del miliardo di dollari al botteghino mondiale.
Quel numero ha cambiato il modo in cui gli studi cinematografici vedevano i potenziali rendimenti.
L’acquisizione di Viacom ha dato alla Paramount le risorse per dare il via libera a questi enormi progetti. I risultati parlavano da soli.
Lo Split e la scommessa cinese
L’era di Braveheart (1995) è finita da tempo. Anche il boom del Titanic del 1997 sembra un settore diverso.
All’inizio degli anni 2000 Viacom non si è limitata a crescere. Si è fratturato.
L’azienda si è divisa in due: Viacom e CBS Corporation. La logica era pulita sulla carta. Viacom ha mantenuto la Paramount Pictures. La CBS ha preso la CBS Television. Erano vicini di casa, non più coinquilini. La CBS Paramount Television mantenne alcuni legami di produzione sciolti con la Paramount Pictures, sufficienti a ricordare a tutti la storia condivisa, ma gli ombrelli aziendali erano separati. Niente più affiliazione diretta.
Investimenti esteri e difficoltà al botteghino
Poi è arrivato il 2016.
Viacom era nei guai. I numeri al botteghino erano deboli. Quindi hanno guardato all’estero.
Hanno negoziato per vendere una partecipazione del 49% nella Paramount Pictures al gruppo Dalian Wanda di Wang Jianlin. Un colosso cinese dell’intrattenimento che compra Hollywood.
L’accordo è morto.
Ma i soldi no.
Nel 2017, la Paramount ha comunque effettuato importanti investimenti da due società cinematografiche cinesi. Lo studio aveva bisogno di soldi. I successi di quel periodo erano specifici: The Wolf of Wall Street (2013), The Fighter (2010). Successivamente, i franchise di Iron Man e Star Trek mantennero le luci accese. Ma la lotta per la stabilità era reale.
Acquisizione di Paramount Global da parte di Skydance
Avanti veloce fino a luglio 2025.
Viene acquisita la Paramount Global.
L’acquirente: Skydance Media.
Il prezzo: 8 miliardi di dollari.
Il valore della nuova entità ammontava a 28 miliardi di dollari. La Federal Communications Commission (FCC) ha approvato la fusione. David Ellison, CEO di Skydance e figlio del co-fondatore di Oracle (ORCL) Larry Ellison, ha preso le redini.
La Paramount Pictures è diventata una filiale.
Il nuovo nome? Paramount Skydance Corporation.
L’era della Paramount come conglomerato mediatico autonomo è finita.
Non erano solo affari. Era politico.
La fusione ha fatto seguito a un accordo legale che ha coinvolto CBS News e il presidente Donald Trump. Le conseguenze hanno imposto condizioni editoriali alla CBS. Non ha toccato direttamente le operazioni della Paramount Pictures. Ma il panorama era cambiato.
