O Portão Bronson. Você já viu. É a entrada icônica do estúdio da Paramount Pictures em Hollywood. Parece permanente. Sólido. Mas a empresa por trás disso mudou de mãos mais vezes do que a maioria das pessoas troca de telefone. Hoje é propriedade da Skydance, após uma passagem pela Paramount Global, e antes disso, pela Viacom em 1994.
É uma história confusa de fusões e aquisições. Mas as raízes são muito simples.
A peça de distribuição de 1914
A Paramount não começou como uma fábrica de filmes. Tudo começou como um pipeline.
WW Hodkinson fundou a Paramount Pictures Corp. em 1914. O objetivo era a distribuição. Ele forneceu uma saída para a Famous Players Film Company de Adolph Zukor e para a Feature Play Company de Jesse L. Lasky. Ele deixou outros produtores despejarem suas bobinas lá também.
Em 1916, as coisas ficaram sérias.
Zukor e Lasky fundiram suas entidades. Eles formaram a Famous Players – Lasky Corporation. Então eles adquiriram a Paramount. Eles mantiveram o nome Paramount. Fazia sentido. A marca estava pegando.
O estúdio cresceu rapidamente. Por que? Estrelas.
Maria Pickford.
Arbuckle gordo.
Glória Swanson.
Clara Arco.
Rodolfo Valentino.
Não eram apenas atores. Eles foram as primeiras celebridades globais. A Paramount os empacotou. O mercado os comprou.
Os primeiros sucessos consolidaram a reputação. A carroça coberta (1923). Foi anunciado como o primeiro “grande faroeste”. Enorme escala. Conjuntos enormes.
Depois veio Os Dez Mandamentos (1923). Cecil B. DeMille dirigiu. Um épico bíblico. Provou que a Paramount poderia lidar com o espetáculo. Não apenas romance. Não apenas comédias. Narrativa monumental.
Esta foi a base. Antes dos parques temáticos. Antes das guerras contínuas. Apenas um acordo de distribuição que percebia que possuir as estrelas era melhor do que apenas alugá-las.
O portão ainda está de pé. O negócio? Evoluiu. Mas os primeiros movimentos definiram a trajetória.
A lista parece quem é quem na era de ouro de Hollywood. No final da década de 1920, a Paramount Pictures reuniu uma programação repleta de estrelas que incluía Claudette Colbert, Carole Lombard e Marlene Dietrich. Mae West e Gary Cooper trouxeram seu carisma único para a tela. Maurice Chevalier, W.C. Fields e Bing Crosby adicionaram um toque musical e cômico. Diretores como Ernst Lubitsch, Josef von Sternberg e Rouben Mamoulian ampliaram os limites artísticos.
No entanto, o talento por si só não conseguiu salvá-los de um fracasso estrutural. A transição para filmes sonoros criou uma enorme crise financeira. A rede de cinemas do estúdio lutou para se adaptar. Os custos dispararam. Receita estagnada.
Em 1933, a Paramount foi declarada falida.
Foi um forte contraste com o sucesso dos sucessos anteriores. O pôster dos Dez Mandamentos do épico silencioso de Cecil B. DeMille de 1923 continua sendo um símbolo do domínio anterior do estúdio. Mas esse domínio foi construído sobre uma base frágil. Os teatros estavam vinculados à produção. Quando um setor falhava, todo o sistema cedeu.
Como eles se recuperaram? Não com magia. Com reestruturação. A falência não foi um fim. Foi uma reinicialização. O estúdio emergiu mais enxuto. Diferente. Mas ainda de pé.
Este período marca uma mudança crítica na dinâmica da era do estúdio. Não se tratava apenas de fazer bons filmes. Tratava-se de sobreviver ao modelo de negócios. Os teatros e a produção não eram mais uma rede de segurança. Eles eram um risco.
“Embora continuasse a produzir filmes de sucesso artístico e financeiro, sofreu perdas em sua rede de cinemas durante a transição para o som.”
A lição? O poder das estrelas não compensa a dívida estrutural. Você pode ter a inteligência de Lubitsch e o fascínio de Dietrich. Mas se a sua rede de cinemas estiver perdendo dinheiro, a falência se aproxima.
O colapso da Paramount em 1933 forçou uma reavaliação da integração vertical. Não bastava possuir as estrelas. Você tinha que possuir o pipeline. E esse pipeline estava entupido.
A recuperação financeira do estúdio ocorreu após sua reorganização em 1948 na Paramount Pictures, Inc., mas a vitória durou pouco. Dois anos depois, a Suprema Corte desferiu um golpe de martelo. O tribunal decidiu que sete grandes estúdios, incluindo a Paramount, violaram a Lei Antitruste Sherman. Eles construíram um império controlando tanto a produção quanto a exibição de filmes. O remédio foi contundente. Os estúdios tiveram que vender suas redes de teatros.
Este desinvestimento forçado mudou tudo. A Paramount não podia mais garantir onde ou quando seus filmes seriam exibidos. A integração vertical foi quebrada. Sem esse poder, a estratégia de produção do estúdio mudou. Eles pararam de produzir volumes de conteúdo. Em vez disso, eles se concentraram em menos filmes de maior orçamento. Foi um pivô arriscado, mas definiu a próxima era de Hollywood.
O boom criativo em meio a mudanças regulatórias
A perda do controle do teatro não matou a criatividade. As décadas de 1940 e 50 se tornaram uma época de ouro para a Paramount Pictures, impulsionada por vozes criativas distintas. O estúdio se dedicou à sátira, ao drama e ao espetáculo.
Preston Sturges apresentou comédias satíricas e afiadas. Seu filme de 1941, The Lady Eve, estrelado por Barbara Stanwyck e Henry Fonda, continua sendo um ponto alto para diálogos espirituosos e cinismo. É um excelente exemplo de como Sturges usou o humor para criticar hierarquias sociais.
“O estúdio produziu filmes marcantes como Double Indemnity e Sunset Boulevard, provando que a alta qualidade poderia compensar a redução do controle de distribuição.”
Billy Wilder se tornou outro pilar desta época. Seu trabalho misturou cinismo com grande drama. Double Indemnity (1944) redefiniu o gênero filme noir. Cinco anos depois, Sunset Boulevard (1950) ofereceu uma visão brutal das estrelas desbotadas de Hollywood. Não eram apenas filmes. Eram correções culturais.
Enquanto isso, a série “Road to…” ofereceu um tipo diferente de sucesso. Bob Hope, Bing Crosby e Dorothy Lamour estrelaram Road to Zanzibar (1941) e Road to Rio (1947). Esses filmes proporcionaram uma fuga. Eram mais leves em comparação com a escuridão de Wilder, mas atraíram grandes multidões.
Expandindo para novos gêneros
No início da década de 1950, o portfólio do estúdio aumentou ainda mais. Shane (1953), do diretor George Stevens, revitalizou o gênero western com sua complexidade moral. Foi um forte contraste com os heróis mais simples das décadas anteriores.
Alfred Hitchcock trouxe Rear Window (1954) para o estúdio. O filme contou com tensão e voyeurismo ao invés de ação. Mostrou que a Paramount conseguia lidar com thrillers psicológicos com a mesma facilidade que com musicais.
Cecil B. DeMille encerrou a década com um grande espetáculo. Seu remake de Os Dez Mandamentos de 1956 foi uma maravilha técnica. Exigiu enormes recursos, adequando-se à nova estratégia de menos produções e mais caras. O filme se tornou um dos filmes de maior bilheteria de seu tempo.
Este período provou que a pressão regulatória poderia aumentar o foco. Sem a rede de segurança dos cinemas próprios, **Paramount
A mudança do estúdio para o conglomerado
A era de ouro do chefe de estúdio individual estava desaparecendo. Na década de 1960, a Paramount não estava apenas lutando contra outros estúdios; estava sendo engolido por máquinas maiores e mais burocráticas. A empresa se fundiu com a Joseph E. Levine, Inc., um movimento que sinalizou uma mudança de estratégia. Levine era conhecido por distribuir filmes como A Pantera Cor-de-Rosa e Casino Royale. Foi uma jogada pragmática pela participação de mercado, e não artística.
Então veio a mania das aquisições corporativas da década de 1960. Gulf + Western Industries, um enorme conglomerado industrial, assumiu o controle. Eles não se importavam com celulóide ou celulite. Eles se preocupavam com os balanços. A Paramount tornou-se apenas mais um item de linha em um portfólio que incluía pneus, mineração e seguros.
Este foi o começo do fim do modelo tradicional de Hollywood. A Gulf + Western usou a Paramount como fonte de renda para alimentar outros empreendimentos. Mas a estratégia mudou novamente. A empresa-mãe percebeu que a mídia e as comunicações eram o futuro. Em 1989, eles mudaram o nome. A Gulf + Western Industries tornou-se Paramount Communications Inc. Não foi apenas uma reformulação da marca. Foi um sinal de que o estúdio estava finalmente voltando às suas raízes.
A transformação de um gigante industrial em uma entidade focada na mídia remodelou a forma como os filmes foram financiados e distribuídos durante décadas.
A fusão com Levine foi uma solução temporária. A era do Golfo + Ocidente foi a mudança estrutural. E a mudança de marca de 1989? Essa foi a confirmação. O conglomerado não era mais uma holding industrial diversificada. Era um reprodutor de mídia. E essa distinção definiria os próximos quarenta anos da realidade financeira de Hollywood.
A mudança das estrelas para as histórias
O início dos anos 60 marcou uma mudança silenciosa, mas sísmica, em Hollywood. Não foi uma revolução barulhenta. Ninguém anunciou isso. Mas se você observasse a marquise com atenção, o foco mudava.
Em Psicose (1960), Vera Miles, John Gavin e Anthony Perkins estavam em um quadro que mudaria o terror para sempre. Hitchcock não precisava de um orçamento enorme. Ele precisava de tensão. Ele precisava de uma mulher tomando banho e de um homem que parecesse normal demais. Perkins era a estrela, mas Norman Bates se tornou o ícone. O público não se importava mais com o sistema de estúdio. Eles se importavam com o medo.
Depois veio Bonequinha de Luxo (1961). George Peppard, Audrey Hepburn e Patrícia Neal. Blake Edwards dirigiu. Hepburn não era apenas bonita. Ela era complexa. Holly Golightly estava uma bagunça embrulhada em Chanel. O filme vendeu a fantasia, sim. Mas também vendeu a solidão por trás do glamour.
Não eram apenas filmes. Eram estudos de caso em psicologia do público.
Por que o público mudou
Antes de Psycho, os estúdios dependiam do sistema estelar. Você sabia quem estava no filme. Você comprou o ingresso. Depois de Psycho, o roteiro importou mais. O conceito importava mais.
- Risco versus Recompensa: Hitchcock fez uma aposta enorme. Ele usou um elenco da lista B. Ele filmou em preto e branco para economizar dinheiro. Ele recebeu dez vezes o orçamento.
- O poder do tom: Breakfast at Tiffany’s tendeu ao romance. Mas isso o prejudicou com tristeza. Essa mistura funcionou. Não foi puro escapismo. Parecia real.
Os estúdios começaram a prestar atenção. Eles pararam de perguntar “Quem é a estrela?” e comecei a perguntar “Qual é o gancho?”
O Negócio do Medo e do Romance
Vejamos os números, aproximadamente. Psicopata custou cerca de US$ 800.000. Ele arrecadou mais de US$ 32 milhões em sua execução inicial. Isso é um retorno de 40x. Nenhum estúdio tinha visto esse tipo de eficiência. Provou que as histórias originais poderiam superar os espetáculos de grande orçamento.
O café da manhã na Tiffany’s era diferente. Custou cerca de US$ 1,8 milhão. Arrecadou cerca de US$ 13 milhões. Não tão explosivo quanto Psicose. Mas tinha pernas. Vendia mercadorias. Definiu a moda. Teve longevidade.
Esses dois filmes mostram dois caminhos para o lucro:
- O Filme do Evento: Alto valor de choque. Retorno rápido. Psicose é o modelo aqui.
- O Filme Estilo de Vida: Impacto cultural. Vendas de cauda longa. Breakfast at Tiffany’s cabe aqui.
Ambos foram movimentos de negócios inteligentes. Mas eles exigiam estratégias diferentes.
O que isso significa para os investidores
Você não pode simplesmente copiar Psicose. Você não pode simplesmente copiar Breakfast at Tiffany’s. Mas você pode aprender com suas estruturas.
- Conheça seu público: Psicose tem como alvo o caçador de emoções. Tiffany’s tinha como alvo o sonhador aspiracional. Seja claro sobre com quem você está falando.
- Controle seus custos: Psicose teve sucesso porque era enxuto. Não produza em excesso. A eficiência cria margem.
- Construa uma marca: Tiffany’s se tornou uma marca antes do filme
Harrison Ford não tropeçou apenas em Indiana Jones. Ele herdou um legado de gigantes dos estúdios que sabiam fabricar cultura. Veja as imagens de O Poderoso Chefão (1972). Salvatore Corsitto e Marlon Brando. A tensão não está apenas no roteiro. Está na iluminação. Está no peso da decisão. Francis Ford Coppola não dirigiu um filme. Ele dirigiu um momento que definiu o cinema americano.
Depois, há Os Caçadores da Arca Perdida (1981). Steven Spielberg. Harrison Ford. O estalo do chicote é icônico, mas o motor por trás dele foi uma estratégia de negócios fria e dura. A Paramount não estava apenas fazendo filmes. Eles estavam construindo um império.
A mudança para o domínio da televisão
No final da década de 1960, o modelo de estúdio estava se fragmentando. O antigo sistema de Hollywood estava morrendo. A Paramount viu a escrita na parede. Eles giraram. Duro.
Em 1967, deram um passo que definiria as três décadas seguintes. Eles adquiriram a Desilu Productions. Você sabe o nome. Lucille Bola. Eu amo Lucy (1951–56). Não foi apenas um show de sucesso. Foi um modelo para a produção de sitcom. A compra da Desilu deu à Paramount credibilidade instantânea na sala de estar.
Eles não pararam por aí. Eles começaram a produzir programas que definiam o tempo para a família.
- O Grupo Brady (1969–74). A fantasia suburbana idealizada.
- Dias Felizes (1974–84). Nostalgia embalada como entretenimento.
- Táxi (1978–83). Personagens corajosos, urbanos e imperfeitos.
- *** Felicidades *** (1982–93). O bar como santuário.
- Frasier (1993–2004). O desdobramento intelectual.
Isso não foi sorte aleatória. Foi um foco deliberado na TV. A Paramount Television tornou-se uma potência. Enquanto outros estúdios hesitavam, eles se inclinaram.
A lista de filmes: grandes apostas, altas recompensas
Mas os filmes? Essas eram as joias da coroa. O período de 1960 a 1981 viu uma mistura de thrillers psicológicos, romance e sucessos de bilheteria épicos.
Considere Psicose (1960). Hitchcock. Valor de choque. Mudou a forma como o público via o suspense. Depois Breakfast at Tiffany’s (1961). Audrey Hepburn. Estilo em vez de substância? Não. Estilo como substância. Vendeu um estilo de vida.
Em 1970, Love Story chegou. Um tipo diferente de golpe. Triste. Simples. Rentável.
Depois vieram os pesos pesados.
Apocalipse Agora (1979). Coppola novamente. Uma descida à loucura. Não apenas um filme de guerra. Uma crítica ao poder.
Jornada nas Estrelas: O Filme (1979). E suas continuações. Provou que a ficção científica pode ser um negócio nas telonas.
E sequências de O Poderoso Chefão. Eles não apenas repetiram o primeiro. Eles expandiram o mito.
Sequências de Indiana Jones. Eles mantiveram a aventura viva.
Esta foi a era do blockbuster. Mas não se tratava apenas de dinheiro
A imagem é icônica. Ele captura a essência da América dos anos 1950 filtrada pelas lentes dos anos 1970. No sentido horário, a partir do canto inferior esquerdo, vemos Anson Williams como Potsie, Don Most como Ralph, Henry Winkler como Fonzie e Ron Howard como Richie. Superficialmente, é apenas uma imagem promocional de Happy Days. Por trás disso, porém, está uma lição complexa sobre a economia de Hollywood, o branding e a distribuição desigual da riqueza na indústria do entretenimento.
Durante décadas, este elenco tem sido um símbolo da televisão americana saudável. Mas olhar mais de perto para as suas trajetórias financeiras revela por que alguns atores constroem impérios duradouros, enquanto outros lutam para manter o equilíbrio muito depois de as câmaras pararem de rodar. O programa em si foi um grande fenômeno cultural, com 258 episódios ao longo de nove temporadas. Mas a verdadeira história não está nas classificações; está nos resíduos e nos negócios de back-end.
The Fonzie Premium: Por que uma função mudou tudo
Arthur “Fonzie” Fonzarelli, de Henry Winkler, não apenas se juntou ao elenco; ele se tornou o âncora do show. Embora a premissa de Happy Days estivesse enraizada na nostálgica dinâmica familiar da família Cunningham, a audiência disparou quando o personagem de Winkler assumiu o centro das atenções. Esta mudança não foi apenas criativa; foi financeiro.
Winkler negociou alguns dos contratos mais favoráveis de sua época. Ele não recebeu apenas um salário. Ele garantiu uma participação significativa no back-end. Em uma indústria onde os atores normalmente recebem uma taxa semanal, o acordo de Winkler permitiu que ele participasse dos lucros da distribuição. Este é o principal diferencial. Os resíduos de distribuição são a força vital da riqueza de longo prazo para os membros do elenco de sitcoms de longa duração.
“A distribuição é onde o dinheiro real é ganho para os atores de sitcom.”
Embora os números exatos dos pontos de back-end de Winkler sejam privados, especialistas do setor estimam que seus ganhos apenas com a distribuição do Happy Days provavelmente ultrapassaram US$ 100 milhões. Isso não foi sorte. Foi uma negociação estratégica no auge da popularidade do programa. Ele aproveitou a imensa popularidade do personagem para garantir uma participação no próprio ativo.
O pivô estratégico de Ron Howard: de ator a produtor
Ron Howard, interpretando o homem hétero Richie Cunningham, seguiu um caminho diferente. Embora ganhasse um salário sólido como ator principal, seu verdadeiro triunfo financeiro veio de ficar atrás das câmeras. Howard não dependia apenas de sua renda como ator. Ele se dedicou à direção e produção, aproveitando sua fama para construir uma produtora.
Sua decisão de passar para a produção permitiu-lhe controlar mais o fluxo de receitas. Embora Happy Days tenha fornecido seu capital inicial e reconhecimento de nome, seu trabalho subsequente no cinema e na televisão gerou retornos muito maiores. A jornada de Howard ilustra uma lição fundamental para qualquer pessoa nas indústrias criativas: diversifique seus fluxos de renda. Depender apenas de papéis de atuação é arriscado. Construir equidade na produção oferece estabilidade e escalabilidade.
O resto do elenco: navegando pelos resíduos e pela longevidade da carreira
Anson Williams e Don Most, interpretando Potsie e Ralph respectivamente, fornecem um estudo de caso contrastante. Eles faziam parte do elenco principal, aparecendo em quase todos os episódios. Isso significa que eles têm direito a resíduos substanciais das transmissões de distribuição.
No entanto, o montante
O conjunto por trás do seriado de sucesso Cheers é frequentemente lembrado como um dos grupos mais icônicos da televisão. Ao olhar as fotos promocionais do auge do programa, você poderá ver uma programação familiar.
(da esquerda para a direita): George Wendt, Shelley Long, Ted Danson, Rhea Perlman, Woody Harrelson e John Ratzenberger. Outros membros do elenco durante a longa temporada de * Cheers * não retratados aqui: Nicholas Colasanto, Kirstie Alley, Kelsey Grammer e Bebe Neuwirth.) Paramount Television
Os Barflys Centrais
Ted Danson ancorou a série como Sam Malone, um ex-arremessador substituto que se tornou dono de um bar. Ele permaneceu com o show durante todas as onze temporadas. George Wendt interpretou Norm Peterson, o vagabundo regular conhecido por seu bordão: “Onde está o calor?” Woody Harrelson entrou na terceira temporada como Woody Boyd, um ingênuo garoto de fazenda do Kansas. John Ratzenberger era Cliff Clavin, o carteiro e residente sabe-tudo.
Shelley Long originou o papel de Diane Chambers, uma advogada pretensiosa que se mudou para a vida de Sam e para o bar. Ela saiu na quinta temporada e sua ausência remodelou a dinâmica.
Ausências e acréscimos notáveis
A foto não captura todos que fizeram o show ser o que era. Nicholas Colasanto interpretou o treinador, amigo mais velho de Sam e gerente original do bar. Ele morreu durante a segunda temporada. O personagem de Ted Danson assumiu o comando do bar depois.
Kirstie Alley substituiu Shelley Long como Rebecca Howe, a ambiciosa chefe de Sam de Nova York. Ela ficou por cinco temporadas. Kelsey Grammer começou como Dr. Frasier Crane, irmão de Sam e psiquiatra. Ele começou como convidado recorrente e depois se tornou membro do elenco principal. Sua performance foi tão popular que o show o transformou em Frasier. Bebe Neuwirth entrou como Lilith Sternin, ex-mulher de Frasier e rival acadêmica.
Por que é importante
Conhecer o elenco completo ajuda a explicar a evolução do show. Diferentes atores trouxeram energias diferentes. O silêncio de Norman contrastou com a conversa de Cliff. O charme de Sam colidiu com o intelecto de Diane. Mais tarde, a ambição de Rebecca e a pretensão de Frasier acrescentaram novas camadas.
A mistura de personagens regulares e rotativos manteve a escrita atualizada. Também permitiu arcos de longa duração. O relacionamento de Sam e Diane definiu as primeiras temporadas. A saída de Frasier deu início a uma sequência de sucesso.
Números reais e compensações
O show durou onze temporadas. Foi ao ar na NBC de 1982 a 1993. Ted Danson recebeu seis indicações ao Emmy por seu papel. Kelsey Grammer ganhou quatro Emmys por Frasier, tanto no programa original quanto no spinoff.
Shelley Long saiu após cinco temporadas. Sua saída foi uma grande troca. As avaliações caíram inicialmente. O show teve que se reinventar sem Diane. Concentrou-se mais nos funcionários do bar e na vida de Sam. Essa mudança foi bem-sucedida.
A morte de Nicholas Colasanto foi uma tragédia da vida real. O show teve que escrevê-lo rapidamente. Eles explicaram a morte do treinador fora da tela. Isso forçou Sam a assumir a propriedade do bar. Foi um ponto significativo da trama.
Onde assistir agora
Se você quiser ver o elenco completo em ação, serviços de streaming como Peacock
A fusão da Viacom e o domínio das bilheterias dos anos 90
O cenário de Hollywood mudou dramaticamente em 1994. A Viacom Inc. não apenas comprou uma participação na Paramount Communications; adquiriu todo o negócio. Esta fusão preparou o terreno para uma década de domínio comercial sem precedentes.
Os filmes lançados pela Paramount nesse período não foram apenas um sucesso. Eles eram fenômenos culturais.
Olhe para a lousa.
Ghost chegou em 1990. Tornou-se um grande sucesso.
Depois veio Forrest Gump em 1994.
Coração Valente foi lançado em 1995.
Mas a joia da coroa era o Titanic.
Lançado em 1997, o épico de James Cameron não foi um empreendimento solo da Paramount. Foi uma coprodução com a 20th Century Fox. Essa parceria revelou-se essencial. O filme quebrou recordes. Empatou o recorde de todos os tempos do Oscar com 11 vitórias.
Mais importante ainda, quebrou o banco. Titanic se tornou o primeiro filme da história a ultrapassar a marca de US$ 1 bilhão nas bilheterias globais.
Esse número mudou a forma como os estúdios viam os retornos potenciais.
A aquisição da Viacom deu à Paramount os recursos para dar luz verde a esses grandes projetos. Os resultados falaram por si.
A divisão e a aposta chinesa
A era Coração Valente (1995) já passou. Até mesmo o boom do Titanic de 1997 parece uma indústria diferente.
No início dos anos 2000, a Viacom não apenas cresceu. Ele fraturou.
A empresa se dividiu em duas: Viacom e CBS Corporation. A lógica estava limpa no papel. A Viacom manteve a Paramount Pictures. A CBS assumiu a CBS Television. Eles eram vizinhos, não mais colegas de quarto. A CBS Paramount Television manteve alguns laços de produção frouxos com a Paramount Pictures, o suficiente para lembrar a todos da história compartilhada, mas os guarda-chuvas corporativos eram separados. Não há mais afiliação direta.
Investimento estrangeiro e dificuldades de bilheteria
Então veio 2016.
A Viacom estava com problemas. Os números das bilheterias eram suaves. Então eles procuraram no exterior.
Eles negociaram a venda de uma participação de 49% na Paramount Pictures para o Dalian Wanda Group de Wang Jianlin. Uma gigante chinesa do entretenimento comprando Hollywood.
O acordo morreu.
Mas o dinheiro não.
Em 2017, a Paramount ainda recebeu grandes investimentos de duas empresas cinematográficas chinesas. O estúdio precisava de dinheiro. Os sucessos desse período foram específicos: O Lobo de Wall Street (2013), O Lutador (2010). Mais tarde, as franquias Iron Man e Star Trek mantiveram as luzes acesas. Mas a luta pela estabilidade foi real.
Aquisição Skydance da Paramount Global
Avançando para julho de 2025.
A Paramount Global foi adquirida.
O comprador: Skydance Media.
O preço: US$ 8 bilhões.
A entidade combinada foi avaliada em US$ 28 bilhões. A Comissão Federal de Comunicações (FCC) aprovou a fusão. David Ellison, CEO da Skydance e filho do cofundador da Oracle (ORCL), Larry Ellison, assumiu as rédeas.
A Paramount Pictures tornou-se uma subsidiária.
O novo nome? Paramount Skydance Corporation.
A era da Paramount como conglomerado de mídia independente terminou.
Não eram apenas negócios. Foi político.
A fusão ocorreu após um acordo legal envolvendo a CBS News e o presidente Donald Trump. As consequências impuseram condições editoriais à CBS. Não afetou diretamente as operações da Paramount Pictures. Mas a paisagem havia mudado.
